Hercule Poirot embarque dans l'Orient Express, voyage de trois jours vers l'Angleterre pendant lequel il compte bien se reposer. Malheureusement pour lui, un homme est tué dans son wagon. Un meurtre, treize suspects, le plus célèbre détective du monde doit rentrer en action...
Commentaire : Un sacré déploiement de moyens
Kenneth Branagh remet à jour le classique de l'Orient Express avec une impressionnante débauche de moyens. Toutes les valeurs de plans sont présentes dans le film, notamment des plans d'ensemble et de demi-ensemble qui témoignent des moyens mis à disposition que cela soit en décors ou en effets spéciaux. Les costumes et plus largement les décors d'intérieur sont très bien reconstitués. Une fois dans le train, les personnages bénéficient de gros plans, assez logiquement puisque que la recherche du coupable est en cours mais également pour marquer la réflexion de Poirot. Des plans en plongée totale montre l'espace étriqué dans lequel se joue l'intrigue et insiste sur le côté huit-clos. La présentation des suspects est faite avec un joli plan séquence, sans cut, ce qui est en soi un indice pour le spectateur concernant le dénouement. Le film regorge d'effets spéciaux, notamment en extérieur, sans que cela ne rajoute au film qui est avant tout un film d'intrigue. La sobriété des films ou séries d'antan sied tout aussi bien si ce n'est mieux à l'histoire. Concernant la bande musicale, K. Branagh est à nouveau accompagné de Patrick Doyle qui réalise un très bon travail.
Une histoire qui ne se voit qu'une fois
Le dénouement connu, cette histoire n'a que peu d'intérêt. C'est pourquoi cette adaptation a pour vocation de faire découvrir l'histoire d'Agatha Christie à une nouvelle génération. Elle ne contentera pas les lecteurs ou anciens spectateurs qui ne retrouveront sûrement pas le charme de l'orient express dans cette adaptation-ci. L'excellent casting ne change rien à cela d'autant plus que les têtes d'affiche ne dégagent rien de particulier, excepté K. Branagh en Poirot. Les changements de personnages opérés ne permettent pas de sauver le suspens puisque le dénouement est nécessairement le même. En revanche, l'ajout d'un Sud-américain, ou d'un Européen de couleur, comme le fait Branagh dans tous ses films : Thor, Cendrillon, colle encore une fois plutôt mal à la réalité de l'époque sans donner véritablement un nouvel enjeu à l'histoire. Pour le moins, pour ce film, on notera qu'une tentative de mise en contexte de la diversité a été faite. L'ajout du personnage de Pénélope Cruz fonctionne par contre plus tôt bien une fois son histoire révélée.
Les thèmes : la vengeance, la justice, la loi [Spoilers]
L'histoire et son dénouement posent en vérité un réel questionnement. Peut-on se faire justice soi-même ? Le film répond par l'affirmative pour ce cas particulier, mais avec tout de même pour conséquence la peine de mort. Certes la justice peut être non satisfaisante, parce que le résultat de lois . On retrouve l'opposition entre le légal et le légitime. Toutefois, la possibilité de se faire justice soi-même et donc de faire reposer les relations entre les Hommes sur le droit du plus fort (puisque plus de droit légal) est très questionnable. Hercule Poirot met certes à l'épreuve la principale coupable et découvre qu'il y a une zone grise entre le bien et le mal mais reste malgré tout que l'issue de l'histoire ne semble pas éthiquement ni moralement correcte.
En définitive, Kenneth Branagh fait découvrir à une nouvelle génération le grand classique d'Agatha Christie. L'adaptation contentera difficilement les connaisseurs du dénouement, d'autant plus que cette nouvelle version ne bénéficie pas du charme des anciennes versions.
La Résistance est prise en chasse par le Premier Ordre. Elle attend le retour de Luke Skywalker toujours reclus sur son île. Rey l'a retrouvé mais le dernier Jedi ne veut pas revenir; pour lui les Jedis doivent disparaître...
Commentaire :
Une mise en scène très soignée
Rian Johnson prend la suite de J.J Abrams dans un style moins frénétique, notamment au niveau du montage. La gamme de couleur est également plus sombre en accord avec l'ambiance générale du film. Le jeu entre l'obscurité et la lumière est constant au cours du long-métrage, ce qui témoigne d'un certain soin pour signifier l'équilibre dans la Force et les basculements possibles. Notons que le film, dans sa réalisation, se distingue particulièrement lors du dernier acte sur la planète de sel, avec des plans magnifiques, que cela soit en extérieur pour la grande bataille avec le revêtement en sel du sol et la terre rouge en dessous, ou en intérieur dans les grottes et carrières de cristaux. Il n'y a pas tant à dire sur la mise en scène qui reste narrative, classique mais qui est grandement efficace puisque l'histoire et la narration se déroule parfaitement avec comme résultat une immersion totale dès le titre Star Wars apparu à l'écran. Il faut dire que la présence de John Williams est plus pesante dans cet épisode que dans le précédent, ce qui a pour effet de donner de la puissance et de l'élan à la narration. Il ne semble pas y avoir de thèmes particulièrement nouveaux, mais la bande musicale est, comme il était attendu, d'excellente facture.
Rattraper les erreurs du passé [Spoilers]
Une suite à la première trilogie était hasardeuse, une suite à l'épisode VIInarrativement et thématiquement pauvre était très compliquée. A cela, il faut rajouter le cahier des charges terribles de LucasFilm qui oblige à une repompe de la première trilogie et notamment de l'épisode V. Toutefois, certaines mines sont désamorcées. Cela donne un nouvel élan à une histoire jusqu'alors embourbée dans la nostalgie. Rey n'est pas "la fille de", mieux, la révélation de cet épisode est qu'elle n'est la fille de personne, d'illustres inconnus peu dignes. Cela est à mettre en parallèle avec le fait que la révélation du lien entre Luke et Dark Vador est dévoilée dans l'épisode V. Un joli pied de nez à ce qui semblait être la volonté première de cette nouvelle saga. Deuxième déraillement par rapport à la première trilogie, l'élimination de Snoke, figure du nouvel empereur, qui permet là encore de s'extraire du schéma de la trilogie originelle. L'épisode VIII nous sauve également in-extremis de l'histoire d'amour Rey-Finn, qui n'est pas envisageable pour un jedi (Dark Vador est né de cette erreur, d'autres Jedi gris sont aussi concernés par cette interdiction Jedi). Enfin, le film essaye même d'expliquer des incohérences de l'épisode VII, comme la défaite de Kylo Ren contre Rey. Rian Johnson a donc tenté de libérer la nouvelle trilogie de son carcan dans laquelle l'avais mise Abrams, et cela pour le meilleur. Reste néanmoins quelques problèmes non résolus. La situation politique qui a débouché sur la Résistance et le Premier Ordre reste inexpliquée. Tout ce qui est dit sur le passé concerne uniquement Kylo Ren (et quid des chevaliers de Ren ?). Autre souci, la Force est traitée de manière toujours contestable. L'initiation à la Force reste le fait du hasard et la rigueur du travail pour la maîtriser passe à la trappe (puisque Luke n’entraîne pas Rey, contrairement à Yoda avec Luke ou Anakin dans l'école Jedi). La Force et les Jedis sont dépeints depuis l'épisode VII (et Rogue One) plus comme une religion transcendante qui tomberait du ciel sur l'élu que comme une philosophie, à l'image de ce que nous montrent les deux trilogies de George Lucas. Ce traitement est regrettable. D'autant plus que la Force offre de nouvelles aptitudes surprenantes dans cet épisode : contrôle, communication et hologramme à longue distance (en plus de lecture de pensées depuis le VII); capacités qui donnent trop de puissance à la Force. La Force peut désormais tout faire, ce qui semble contestable dans le principe, car le Force ne peut pas tout. La philosophie Jedi est justement d'accepter qu'on ne peut pas tout et l'accepter (cf les enseignement de Yoda). Leia paraît par ailleurs maîtriser la force à un niveau trop avancé pour une non-jedi, tout comme les enfants en fin de film (plus doués que le petit Anakin ?). Adieu la rigueur de l'initiation...
Une fidélité moins nostalgique [Spoilers]
Le film ne rate toutefois pas de remplir le cahier des charges malgré quelques risques pris. Cela se voit de manière évidente mais moins grossière que dans l'épisode VII. Ainsi la bataille sur la planète de glace en ouverture de l'épisode V est la bataille finale ici sur la planète de sel, ce qui rend visuellement bien sans être identique. Luke disparaît en vieux Jedi tel Yoda, Yoda qui réapparaît dans ce film sous sa forme de l'épisode V. Rey, comme Luke dans l'épisode V, fait l'expérience du côté obscur dans une sorte de grotte. Finn et Rose sont trahis comme Han Solo dans l'épisode V. Certes tout cela suit un schéma apparemment obligatoire mais la reprise du schéma de la trilogie originale est mieux amenée que dans l'épisode VII.
Les bonnes trouvailles narratives ? [Spoilers]
Le rôle de Luke Skywalker est inattendu dans l'histoire. Toutefois, les démons qui le hantent sont bien amenés et son dilemme est compréhensible. Le fait qu'il n'ait pas été formé jusqu'au bout et surtout trop tard, comme son père, peut expliquer qu'il ait failli dans son entreprise de restaurer l'ordre Jedi. Néanmoins, sa mort reste questionnable (quel message ?). Autre enjeu intéressant, la personnalité de Kylo Ren. Le personnage devient finalement intriguant après avoir été une interrogation dans l'épisode VII. Kylo Ren est torturé, indécis et pourtant à l'origine de beaucoup d’événements dans l'histoire. La voix d'Adam Driver se hisse par ailleurs presque à la hauteur de celle de Vador dans la pesanteur qu'elle fait ressentir. Pour ce qui est du personnage principal, Rey, son rôle dans l'histoire devient pertinent en tant qu'alter ego lumineux de Kylo Ren, une sorte de sœur dans la Force plus tôt que dans la réalité ; cela est beaucoup plus subtile. Reste une immense interrogation sur la narration prise dans son ensemble épisode VII + épisode VIII : l'histoire n'a pas avancé, comme le témoigne la scène de fin avec les enfants : la Résistance ne fait que commencer...
Les thématiques, enfin du nouveau dans cette trilogie [Spoilers]
C'est véritablement au niveau des thématiques que le film prend le plus de risques donnant un véritable intérêt à cet épisode. Ce film est un épisode sans héros ou plus exactement un épisode où les actes héroïques sont dépeints comme dangereux, ou pour le moins comme ayant des conséquences. La jolie scène d'ouverture montre la bravoure de Poe mais aussi les conséquences de cet acte avec de nombreuses pertes, merveilleusement soulignées par Leia. Le film force son message avec la quête de Finn et Rose, que beaucoup jugent inutile mais qui justement a pour intérêt de montrer que les actes héroïques peuvent échouer voire pire, mettre en jeu l'ensemble de la Résistance. Ceci a pour conséquence de changer la personnalité de Poe qui adopte une posture moins hollywoodienne et plus réaliste. Finn devrait peut-être en tirer les mêmes conséquences car son personnage est trop désinvolte par rapport à la gravité de la situation. Ce n'est pas sa quête qui est inutile mais son personnage lui même. Lui qui était l'atout du Réveil de la Force devient le boulet Des Derniers Jedi. Heureusement sa complice Rose vient délivrer un autre message : il faut se battre pour ce que l'on aime plutôt que contre ce que l'on haït. Cela permet de rester fidèle à sa cause (en évitant des sacrifices inutiles). Notons que la cause animale est une sous-thématique originale mais anecdotique du film, que cela soit pendant la scène de Chewbaka et les porgs ou plus manifestement lors de la quête de Finn et Rose sur la nouvelle planète. Anecdotique car ce thème ne concerne que quelques scènes et non l'ensemble du film contrairement au thème des actes héroïques. Le dernier message, également mineur dans l'enjeu du film, est délivré par Yoda himself. Un maître enseigne les échecs autant que les succès. La progression se fait aussi par les échecs. C'est une des rares informations sur la Force qui semble conforme à la philosophie originelle de George Lucas.
En définitive, Rian Johnson fait son possible pour sauver une trilogie en grand danger et y arrive en partie. En fermant de nombreuses portes ouvertes par l'épisode VII, Star Wars Les Derniers Jedi fournit une histoire originale, osée et thématiquement intéressante. Le résultat est satisfaisant compte tenu du cadeau d'Abrams.
Miguel est un petit garçon qui adore la musique. Il rêve d'en faire son métier. Malheureusement, la musique est interdite dans sa famille depuis qu'un ancêtre a délaissé la famille pour la musique...
Commentaire :
Commentaire express
Coco propose un magnifique voyage visuel et auditif. L'intrigue est évidente mais l'histoire reste belle. La morale sur la famille, grand thème du film, est convenue.
Sans Superman, la Terre est vulnérable. Batman essaye alors de rassembler les plus forts individus de Terre pour contrer ce qui semble être une invasion extraterrestre...
Commentaire :
Réalisation Znyder
Zack Znyder fait toujours attention à la plastique de son film et cela se vérifie à nouveau, bien que Joss Whedon, au demeurant bon réalisateur, soit passé derrière. L'univers visuel est en effet une nouvelle fois très travaillé avec de la profondeur de champ et des plans généraux qui font beaucoup pour l'ambiance. Gotham City est peut-être l'espace le plus réussi, très torturé. Du côté du moins bon, il y a l'île des Amazones, dont les plans d'introduction font trop numériques, ainsi que l'ambiance finale en Russie avec une tonalité rouge trop exotique pour la Terre, même en terraformation. Les scènes de combat sont elles extrêmement bien filmées et surtout lisibles ce qui n'est pas toujours le cas dans les films de super-héros. Elles ont également la qualité d'être intenses et de faire ressortir la douleur des corps, contrairement aux Marvels trop cartoonesques. A la bande musicale, nous retrouvons Danny Elfman qui fait son retour parmi les super-héros. S'il n'y a aucun nouveau thème marquant, sa musique a toujours la qualité d'être subtile (ce qui tranche avec Hans Zimmer). Par ailleurs, il a l'intelligence de retravailler, en hommage, les vieux thèmes de Superman de 1978 et l'incroyable thème de Batman de 1989. Le travail sur la bande sonore est donc intéressant.
Excellents personnages pour une histoire banale
Les personnages de la Justice League sont bien construits. Wonderwoman, Batman et Superman restent intéressants mais les nouvelles têtes ont aussi leurs propres qualités. Cyborg est un personnage grave et complexe. Flash est un comic relief bien dosé (le spiderman de DC) avec une excellente interprétation d'Ezra Miller. Enfin Aquaman, dont l'introduction dans l'univers était compliquée car peu crédible, s'impose sans problème du fait du charisme de Jason Momoa. Il s'agit en quelque sorte du Thor de DC Comics, mais il ne faudrait pas qu'ils accentuent son côté humoristique. La seule limite de cette équipe est que Cybord et Flash font doublon dans l'idée de génie du groupe (sachant que Batman n'est pas bête non plus). Au-delà de cela, la synergie fonctionne bien. Le problème de l'histoire, et non le moindre, est le super-méchant SteppenWolf qui est une caricature si banale du super-méchant que le film n'a pas d'intérêt particulier, car dénué de questionnement intéressant.
Les questionnements DC
DC comics a toujours su mettre des questionnements profonds dans ses films bien qu'ils n'aient pas toujours été bien traités. Contrairement à Marvel qui désormais oublie toute thématique dans un surplus d'humour, DC Comics se prend toujours au sérieux et essaye de distiller quelques réflexions, bien que plus légèrement cette fois (attention à ne pas se "marveliser"). La question la plus développée est celle de la science face à l'éthique et aux responsabilités. Batman a l'idée d'utiliser une technologie alien pour mener à bien son plan, mais c'est un pari risqué. Wonderwoman prévient avec raison que toute science ne peut être utilisée qu'avec sagesse sans quoi elle devient l'ennemie du bien. La solution de Batman est néanmoins choisie car il n'y avait aucune autre option. La réflexion de Wonderwoman reste néanmoins pertinente, elle qui est présentée comme une idéaliste (c'est à dire toujours à lutter pour la Justice, une alterego de Superman). Il n'y a guère d'autre dilemme important. L'ouverture du film avec un Superman ne pouvant répondre à la question de ce qu'il y a de plus beau dans l'humanité est particulièrement intéressante, pouvant laisser supposer une réflexion complexe sur l'action humaine. Le film ne poursuit malheureusement pas dans cette voie et le caractère monolithique du super-méchant ne permet pas d'autre dilemme important. Les ennemis de Wonderwoman lors de sa scène d'introduction dans ce film sont par exemple beaucoup plus intéressants que SteppenWolf. Un film de super-héros, pour être vraiment bon, doit incorporer un méchant complexe avec lequel on pourrait presque être d'accord. Ce n'est pas le cas ici.
En définitive, Justice League réussit le pari de rassembler des Super Héros intéressants mais se loupe sur le Super Méchant. Le film se regarde grâce à la mise en scène de Snyder mais est d'une banalité certaine.
Alex voit son vol pour Baltimore annulé du fait d'une tempête. Se mariant le lendemain, elle cherche une solution pour décoller dans la journée. Elle rencontre alors Ben qui lui aussi a une urgence en tant que chirurgien. Il décide à deux d’affréter un petit avion...
Commentaire :
Mise en scène minimaliste
Abu-Assad réalise un film sans grand entrain visuel. Alors que le cadre était favorable aux belles prises de vue, on aurait pu s'attendre à une abondance de jolis plans de demi-ensembles ou généraux. La réalisation se concentre plutôt sur les personnages pour montrer leurs relations dans ces conditions particulières (usage de champs - contre-champs, ou plans les incluant tous les deux). Ces derniers restant plutôt inexpressifs, il n'y a pas grand chose à sauver visuellement. Pour redonner de l'élan à l'histoire, le film s'essaye à l'humour avec plus ou moins de succès, certains gags réussissant, d'autres moins. Malheureusement, le film manque de corps, il est incapable visuellement de faire ressentir la durée du périple, si bien que les dialogues doivent venir au secours de la réalisation. De même, les corps des acteurs et leur jeu ne rendent pas justice à l'épreuve qu'aurait dû être ce périple. La musique de Ramin Djawadi, quant à elle, peine à redonner du souffle à l'oeuvre. Le spectacle est donc plutôt morne, passé les vingts premières minutes.
Elba et Winslet seuls dans la Montagne
Seuls parce-que, semble t-il, non dirigés. Le couple d'acteurs semble faire le minimum syndical pour donner de l'intensité à ce survival. Idris Elba est froid, ce que peut justifier le caractère singulier de son personnage mais il ne semble, par ailleurs, jamais atteint par le froid, la faim ou la fatigue. Kate Winslet y arrive un peu mieux sans que cela ne soit extraordinaire. La scène dénudée qui est censée se passer après plusieurs semaines sans nourriture ou presque montre des corps dans un état tout à fait normal, voire carrément athlétique pour Idris Elba. Le personnage le plus touchant est peut être le chien, pour qui on craint, puisque les humains pourraient avoir envie de le manger. Si sa bouille à l'écran fait son petit effet, on a dû mal à comprendre comment il peut toutefois sauter partout. Sur lui non plus, la faim, le froid et la fatigue ne se font guère sentir...
Un homme et femme sont-ils obliger de terminer ensemble ?
Que reste t-il alors dans ce film ? On le comprend en milieu de film. Toute cette histoire n'est censée être qu'une histoire d'amour. Le reste n'a pas d'intérêt. Et il n'y a d'ailleurs pas de message au-delà de cette romance, ce qui est un peu étonnant venant de Abu-Assad, réalisateur politique. Il n'y a même pas une description de l'humain et de ses état psychologique face à l'adversité. Cette volonté mono-linéaire de l'auteur (du livre) et du réalisateur est assez étrange... une femme et un homme ne peuvent donc pour eux que tomber amoureux et avoir des rapports sexuels. Encore que le rapport sexuel aurait pu se comprendre dans le sens où l'adversité aurait pu redonner un caractère bestial à ces individus, mais hormis la scène de sexe, cela ne se voit pas vraiment. Toutefois, cette épreuve commune aurait aussi pu déboucher sur une relation différente mais tout aussi forte qu'une histoire d'amour. Cela aurait sûrement été plus intéressant à montrer et à explorer. Autre parti pris étonnant (dans la partie pré-romance), le fait que le film insiste par le biais d'Alex, qu'il vaut mieux s'appuyer sur l'instinct que sur la raison et la logique pour survivre... ce qui n'a rien d'évident. Quoiqu'il en soit, le film n'a pas beaucoup d'intérêt puisque tout se cantonne à cette romance. L'épreuve du froid, de la solitude, de la faim, le choc post-traumatique du drame, la perte de dextérité des doigts du chirurgien... rien n'est exploré. Une chose à sauver ? Peut-être le fait que les protagonistes soient perdus dans l'immensité américaine comme s'ils étaient perdus dans les terres inhabitées du fin fond de l'Eurasie. Cela nous rappelle que les Etats-Unis sont un pays très vaste, avec des ensembles territoriaux marqués par de très faibles densités.
En définitive, La Montagne Entre Nous, est un film sans grand intérêt, que cela soit au niveau de l'intrigue ou de la réalisation.
Odin n'est plus à la tête d'Asgard depuis que Loki a pris le trône. Sans Le Père de Toute Chose, le cosmos est en danger et même Thor ne peut lutter contre le Ragnarok, la fin du monde...
Commentaire :
Faire cool
Taika Waititi, réalisateur jusque là de comédies, fait tout ce qui est en son pouvoir pour rendre cette nouvelle production Marvel cool et amusante. Il se révèle assez talentueux puisque les scènes sont bien tournées, avec de jolis plans et parfois très travaillés. Toutefois, les plans ne vont pas jusqu'à être signifiants, hormis les flashbacks des Valkyries (style des tableaux romantiques pour insister sur le côté grandiose et épique de leur combat). Les scènes de bataille sont elles plutôt réussies et certains plans sont sublimes mais l'abus de ralentis se fait sentir. Thor Ragnarok se veut faire cool et bad-ass et pour cela le film veut être humoristique dans la lignée des Gardiens de la Galaxy. Waititi arrive à cette transformation mais au prix de l'intensité et de la majesté que devrait être ce combat mythologique qu'est le Ragnarok. Le film est distrayant, bien filmé mais cela ne va pas plus loin. Concernant la musique, le choix est hasardeux avec l'absence de musique orchestrale. Mettre "Immigrant Song" de Led Zeppelin sur les scènes de combat fait cool, encore une fois, mais fait perdre en majesté et en grandiose. Les autres scènes ont reçu une musique des années 80 sans aucune raison particulière, peut-être juste parce-que les Gardiens de la Galaxy possèdent ce genre de musique (mais cela a un sens dans leurs films). Ici, cela est hors de propos, juste cosmétique. Le seul thème intéressant est à la réutilisation judicieuse du thème du premier épisode de Thor.
Un casting pour sauver le film
Chris Hemsworth est toujours aussi imposant physiquement ce qui lui permet de créer son effet à l'écran. Malheureusement, son jeu n'évolue pas et le côté plus humoristique de Thor rend son personnage assez lourd bien que plusieurs gags fonctionnent. Tom Hiddelston est lui toujours bon car son jeu est subtile tout autant que son personnage. La meilleure performance revient néanmoins sans conteste à Cate Blanchett qui a l'immense qualité de prendre son rôle au sérieux, ce qui apporte un peu de sérieux à l'histoire. Jeff Goldblum assume lui un côté comique qui sied plutôt à son personnage et réalise donc aussi une performance intéressante. Le caméo est de Matt Damon est quant à lui, un ressort comique qui ne loupe pas! En définitive, le film repose sur certaines performances du casting.
Mythologie détruite
Il est souvent question dans la dernière partie d'énoncer et de réfléchir aux thématiques du film, mais Thor Ragnarok, parce-que pur divertissement, en est dépourvu. Cela est quand même assez décevant mais peut s'expliquer par le fait qu'il s'agit de mettre en image un fait mythologique, donc dépourvu de message (moral). En revanche, la mythologie nordique est normalement riche en symboles bien que cela ne soit pas présent ici. L'histoire est simplement celle de la destruction d'Asgard, sans la symbolique ni la rigueur vis à vis de l'histoire originelle. Le film s'éloigne encore plus de la mythologie nordique que le Comics. Une question apparaît alors : pourquoi prendre des noms et certains éléments de cette mythologie pour en faire toute autre chose. Il aurait mieux valu que tous les noms soient différents afin qu'une comparaison ne soit pas nécessaire, mais il vrai que "Ragnarok" est vendeur. Le casting n'a d'ailleurs jamais été autant cosmopolite chez Marvel que pour incarner les divinités nordiques. L'objectif du divertissement est atteint mais le film reste très superficiel.
En définitive, Thor Ragnarok divertit mais restera anecdotique dans la masse des films Marvel.
Christian est un conservateur de musée menant un vie bourgeoise. Son souci, vendre son exposition d'art contemporain au public dans un monde en concurrence...
Commentaire :
Mise en scène signifiante
Ruben Östlund réalise un film très soigné à la mise en scène signifiante, ou autrement dit avec un réel sens. La réalisation n'est pas seulement narrative ; les règles de la narration sont rompues à plusieurs reprises, notamment lors des dialogues. Très souvent, le plan s'attarde sur un personnage pour montrer sa réaction alors qu'il n'est pas détenteur de la parole. La règle du champ / contre-champ n'est donc pas respectée car c'est le comportement des individus qui est intéressant à regarder pour le réalisateur. Au-delà de quelques transgressions, on imagine que La Palme d'Or 2017 n'a pu échapper à The Square, de part quelques très jolis plans, comme par exemple la plongée totale sur la scène dans les ordures. Ruben Östlund réussit également très bien à mettre en place des situations de tension en jouant sur la luminosité et les hors-champs. Si le film est esthétiquement très beau, on notera quand même une certaine longueur pour un propos assez vite compréhensible. L'absence de musique minimise aussi la majesté de la réalisation.
Une histoire peu prenante
Parce que le film propose une critique de la société bourgeoise, l'intrigue se place et se développe dans ce contexte. Les péripéties et les états d'âmes de cette frange privilégiée de la population sont pertinents à montrer pour le propos défendu par le film mais leur histoire n'est pas particulièrement prenante. Ce qui maintient une certaine tension tout le long du film est la possible conséquence de l'action entreprise par Christian afin de récupérer ses affaires volées. La scène de spectacle du singe-artiste apporte également une folie passagère mais qui ne s'étend pas au-delà de la scène en question. On ignore d'ailleurs comment se termine cette sous-intrigue. Quelques passages jouant sur l'humour fonctionnent également à l'intérieur de certaines scènes. Néanmoins, le reste du film, en ce qui concerne la relation du père à ses filles, ses relations amoureuses, ou ses questionnements en terme d'exposition et d'art, est moyennement captivant car très banal. L'histoire peine donc à nous emporter en dehors de la réalité.
Des thématiques très fortes sur la société bourgeoise
Les intentions de Ruben Östlund sont claires, c'est un film critique sur notre société et c'est pour les messages qu'il contient que le film est intéressant. Les questionnements se structurent autour de la société bourgeoise, vivant dans son monde et selon ses codes.
La première critique concerne l'art contemporain qui est montré comme ne représentant plus rien car techniquement nul. Le tas de cailloux exposé est le meilleur exemple. Ce qui est intéressant est que même le conservateur Christian n'y croit pas, mais l'enjeu est simplement de vendre cette exposition au public, autour de concepts forts. La classe bourgeoise est donc une classe qui repose sur des codes mais dont les membres en connaissent l'artificialité.
Une deuxième critique assez forte en lien avec la première porte sur la communication dans les médias, et notamment les nouveaux médias. La jeune garde des communicants n'a d'autres idées que de créer le buzz afin de gagner la guerre de communication, quitte à produire un buzz qui renvoie à quelque chose de diamétralement opposé à ce qu'était le produit vendu (ici une exposition). Le buzz repose sur le fait de montrer quelque chose de clivant et donc pouvant déranger. Peut-on tout montrer ? Ou commence ou s'arrête la liberté d'expression ? Le film montre que la question n'est pas simple sans pour autant donner une réponse.
La troisième grande critique transversale concerne l'incohérence de cette classe bourgeoise qui se donne une image de pureté et de bonté mais qui est très peu enclin à aider les autres, que cela soit les pauvres mais également les siens. Cette classe est paradoxalement très individualiste et est dépeinte comme ayant horreur de ce qui sort des codes de la société. Le meilleur exemple est le spectacle de l'artiste-singe.
Ce questionnement nous mène justement à cette scène simiesque qui est intéressante car contient une réflexion en son sein ; celle de la fusion entre le créateur et la création/créature. Lorsque ce phénomène a lieu, le créateur perd tout contrôle sur son oeuvre qui vit d'elle même. Cela questionne le rôle du créateur qui est parfois complètement absorbé par son oeuvre, quitte à devenir fou. Notons que le vrai singe présenté dans une autre scène à l'air lui beaucoup plus calme que la représentation qu'en fait l'artiste.
Il s'agit là des grands questionnements du film mais on pourrait en souligner d'autres plus mineurs, sur les relations de pouvoir, la place de l'enfant (de la paternité) en Suède etc. C'est un film qui montre et dénonce énormément, car c'est une oeuvre où le fond prédomine. Quitte à nous narrer une histoire sage sans grand entrain, le film aurait peut-être pu se placer du côté de la démonstration plutôt que du côté de la dénonciation ou le simple fait de montrer les choses. La forme manque peps (ou de rigueur, les deux options sont possibles) pour nous permettre d'adhérer au propos, qui est lui fort juste.
Ce qui est paradoxal est que le film dénonce finalement une classe assez fermée sur elle-même mais le film s'adresse précisément à un public assez restreint. Peut-être faut-il comprendre que ce film est une remontrance pour ses propres spectateurs, ce qui serait audacieux et bien trouvé.
En définitive, la Palme d'Or 2017 traite de sujets pertinents en adressant une critique acerbe à une classe bourgeoise se refermant sur elle-même. Toutefois, le film ne captive que par intermittence.
Eggsy, alias l'agent Galahad, est attaqué par Charlie, un ancien concurrent des sélections Kingsman. Charlie ne cherche toutefois pas la vengeance, il est au service d'une autre organisation...
Commentaire :
Matthew Vaughn, maître du film narratif
Matthew Vaughn reste pour l'instant l'assurance d'un très bon film de divertissement. Il renouvelle l’exploit pour ce second Kingsman. Il n'y a actuellement pas meilleur réalisateur pour raconter une histoire à l'écran. Inclure des dilemmes très quotidiens à des héros hors-normes est sa façon de faire, afin de plonger le spectateur dans des enjeux qui lui parlent. Au-delà de cette astuce, il possède une science du montage qui lui permet de raconter des scènes de manière très fluide sans longueur mais toujours en prenant soin de l'image, du cadre et du mouvement dans le cadre. Les chorégraphies de combat sont à nouveau superbes. Matthew Vaughn ne remet pas en cause les règles du montage narratif; il excelle à les appliquer. Ainsi, ces films sont toujours immersifs, à défaut d'être réflexif : le film emporte le spectateur dans la narration. Matthew Vaughn est ici à nouveau accompagné de son compositeur fétiche, Henry Jackman, à qui il laisse toujours un temps pour exprimer sa musique orchestrale. Henry Jackman est actuellement un des plus doués à Hollywood et réitère dans la continuité du précédent Kingsman. Son rôle est tout à fait important pour la plupart des scènes, en amplifiant la volonté contenue dans l'image de Vaughn. Le compositeur nous gratifie même d'un des plus beaux thèmes qu'il avait utilisé sur X-Men Le commencement (Rage and Serenity). C'est tout à fait inédit de ramener un thème d'une autre saga, mais ce dernier est intégré avec brio.
Ambiance rétro, maîtrise et rupture des codes
La marque de Matthew Vaughn est de faire référence aux années de la deuxième partie du XXème siècle (principalement 50-60-70). C'est le cas pour ce second épisode de Kingsman, toujours par le biais des Kingsmans, dans un style gentleman de l'aristocratie anglaise, mais également ici par le biais de l'univers de Poppy, ancré dans les Etats-Unis des années 50. Vaughn renvoie à l'imaginaire fantasmé des années passées et participent également à embellir visuellement ces périodes. Il leur donne un petit côté kitch sublimé. De plus, le réalisateur de X-Men le Commencement est également fan des films de cette période. Les films d’espionnage (et de super-héros) sont parodiés dans un style pastiche, comme pour le premier épisode, avec la reprise des codes et de la mise en scène mais pour des actions parfois risibles! Le contraste crée participe à l'humour. Il faut également mentionner que le film cite et pastiche certaines scènes du premier épisode! Il est donc conseillé de l'avoir vu pour ne pas passer à côté d'un ressort humoristique.
Des thématiques au service de la narration
Chez Matthew Vaughn, les thématiques ne sont jamais primordiales. Elle sont présentes parce-qu'elles donnent du sens à la narration, mais on ne peut dire que Vaughn réalise des films à messages. Le but est avant tout de divertir. Ce qui est intéressant (et amusant en même temps) est que les méchants des Kingsmans ont de bonnes raisons pour agir, des raisons justes (mais les moyens pour arriver à cette fin laissent à désirer). Précédemment, Valentine pointait du doigt la surpopulation de la planète et son impact sur l'environnement. Ici, Poppy questionne le pourquoi de l'interdiction des drogues alors que d'autres substances dangereuses (alcool, sucre, tabac) débouchent sur plus de morts, tout en étant légales. C'est une opposition très simple et réductrice mais cela met en effet en lumière des incohérences de société. Le slogan de Poppy est de manière ironique "Save Life, Legalise" et souligne les effets négatifs de la prohibition. Toutefois Vaughn ne prend pas vraiment parti ici car l'objectif est simplement de créer un décalage entre les méchants et leurs nobles raisons d'agir. Par ailleurs, ceux censés être gentils ne sont jamais totalement blancs, que cela soit la société Kingsman dans le premier épisode ou le Président américain ici. Le fait que les raisons des méchants ne soient pas totalement extravagantes permet aux gentils de passer d'un camp à l'autre (Whiskey ici). De ce fait, le spectateur ne peut pas totalement en vouloir aux gentils "traites" qui finalement rejoignent une cause juste. La frontière entre le juste et l'injuste ne se détermine donc pas seulement à la cause mais aux moyens permettant de faire prévaloir la cause. Dans Kingsman, les méchants/ou traîtres se singularisent par le fait qu'ils sont prêts à tuer des millions d'individus pour y arriver. En ce sens, Kingsman est une bonne saga pour réfléchir à la question : est-ce que la fin justifie les moyens ?
En définitive, Kingsman Le Cercle d'or est un excellent divertissement doté d'une réalisation soignée. L'ambition du film se limite au divertissement mais cela est fait avec brio.
L'officier K est à la recherche des anciens nexus (ou "réplicants"), clones humains modifiés, qui ne sont pas considérés comme assez obéissants. Lui même est un réplicant de nouvelle génération obéissant mais qui commence à se poser des questions à force de tuer ses semblables...
Commentaire :
La perfection technique
Denis Villeneuve est de retour avec un nouveau chef d'oeuvre visuel. On pourra peut-être reprocher des choses à ce film mais pas sa qualité technique. La réalisation est narrative mais ne se contente pas de l'être, il existe de nombreux plans d'ensemble, de demi-ensemble ou en pied qui visent à travailler l'ambiance et la profondeur de cet univers. Chaque plan bénéficie d'une composition de couleurs et de formes et, est autant partie prenante de la narration que d'une intention contemplative. Concernant le rythme, Blade Runner 2049 est fluide et sans rupture (ou lenteur) malgré une durée non loin des trois heures. Il y a toujours une tension ou une ambiance qui est susceptible de maintenir l'intérêt du spectateur, ne serait-ce parfois que par un mixage sonore d'une perfection incontestable. Faut-il encore c'est vrai, adhérer à cet univers. Les scènes de combat ont la rare qualité d'être peu découpées et offrent une sensation d'intensité plutôt que de violence. La réalisation est donc réellement appréciable et détonne d'avec les blockbusters classiques. A cela il faut ajouter le travail de Hans Zimmer qui pèse de tout son poids sur l'ambiance, avec à ce qui s’apparente plus à une bande sonore d'ambiance qu'à une réelle composition orchestrale, mais d'une puissante incontestable. L'expérience sensorielle est donc pleine dans ce film.
Personnages et histoire [Spoilers]
K, le personnage de Ryan Gosling est la colonne vertébrale de l'intrigue, non par son rôle dans l'histoire mais pour le point de vue de K, adopté par le film. Cela offre des retournements de situation non prévisibles et bienvenus, et permet de comprendre la psyché du "héros", qui n'est lui même qu'un robot organique. Tous les personnages sont intéressants parce qu'ils paraissent tous avoir une réelle profondeur qui malheureusement n'est pas assez exploitée à l'écran. Il manque en effet certains ressorts pour comprendre leurs motivations (tous hormis K). L'intrigue n'est pas compliquée mais non évidente car rien n'est dit explicitement. Par exemple : qui a inséré les souvenirs de K et pour quelle raison ? En sommes, pourquoi est-il impliqué dans cette histoire ? Ou alors, qu'est-ce que (qui est) le garçon ayant le même ADN que la fille de Deckard ? Peut-être que le film l'explique mais cela n'est pas dit clairement. Au-delà de l'histoire, tous les acteurs font un travail remarquable avec une mention spéciale pour Ana de Armas, incroyable en intelligence artificielle.
Les thématiques, prometteuses mais non abouties [Spoilers]
Comme tout film de science-fiction, Blade Runner 2049 est riche en thématiques. Elles sont diverses et peuvent être regroupées autour de trois grands questionnements majeurs.
La première thématique est "l'âme" des Nexus, à savoir si les Nexus sont des êtres conscients disposant de droits politiques. La question est pertinente mais trop évidente. Il s'agit bien d'individus de chair et sang, dotés d'une conscience mais modifiés génétiquement. La question était plus intéressante dans le livre puisque les nexus étaient en partie électroniques. Mais au XXIème siècle, le film enfonce des portes ouvertes... contrairement aux questionnements sur la conscience numérique. Ou alors, les réplicants sont représentés de façon trop humaine à l'écran pour que la question soit pertinente. Le point de vue de K choisi par le film finit de rallier le spectateur à sa cause s'il avait des doutes. Le fait que les Nexus puissent avoir des enfants ne changent en vérité pas la question de fond car ce n'est pas le fait de pouvoir se multiplier qui est un critère pertinent. Il est vrai que le fait de pouvoir créer et de n'être plus simplement un produit peut jouer sur le symbole, mais cela ne les rend pas plus conscients qu'avant. Il reste que le questionnement sur les réplicants est une manière de poser la question de l'altérité, ce qui est intéressant.
La deuxième question posée mais non tranchée est celle de l'intelligence artificielle et il y avait là énormément de potentiel. Joi, l'intelligence artificielle de K est très intéressante et paraît un moment dotée d'une conscience. La réflexion sur l'ADN (4 lettres) et le code binaire informatique est très pertinente. L'intelligence robotique peut-elle être consciente ? Le film semble répondre par la positive avant qu'une publicité géante de la compagnie ayant crée Joi viennent affirmer que Joi n'est qu'un personnage disant ce que vous voulez entendre. Il s'agit donc plutôt d'une intelligence très poussée que d'une conscience. Cela jette le trouble puisque le film semble alors aborder la question sans donner une réponse. La réflexion est ici désamorcée mais la question reste intéressante.
Le dernier questionnement important est celui des souvenirs. C'est peut-être le questionnement le mieux abordé sans qu'il soit complètement tranché. K a reçu des souvenirs réels alors que tous les nexus n'ont que des souvenirs artificiels. Il se prend alors pour la personne dont il a reçu les souvenirs. La question est alors : si K possède les souvenirs de l'enfant de Deckcard, peut-il prétendre être son fils bien que cela ne soit pas le cas génétiquement ? Le film semble dire que non mais la question est plus pertinente qu'il n'est paraît. Après tout, tout individu est déterminé par le passé, autrement dit par sa mémoire (ou son expérience de vie). Si pour Deckard, il n'est pas son fils, K lui peut se considérer légitiment comme tel.
Il s'agit là des grandes problématiques mais d'autres problèmes sont également survolés.
Wallace évoque la condition d'une civilisation (d'une économie), qui est le besoin de se reposer sur des esclaves. L'Histoire lui donne raison par les énormes inégalités que l'on y trouve. La question aurait mérité d'être approfondie pour savoir si une éventualité d'éviter cette situation existait, par exemple avec le concours de robots ? Et non d'êtres vivants réduit cyniquement en esclavage.
Il existe enfin un dernier questionnement possible, plus suggéré qu'évoqué. Il s'agit de celui du rapport entre l'Etat et les compagnies privées. Il semble que dans ce monde dystopique, l'Etat (représenté par K et son institution), soit complètement dépassé par la puissance de la compagnie de Wallace. La dystopie serait-elle celle du néo-libéralisme et de l'Etat faible face au secteur privé ?
En définitive, Blade Runner 2049 est une très grande réussite technique. Les thématiques soulevées sont intéressantes. Que la réflexion eût été un peu plus poussée et le chef d'oeuvre était là.
Un couple vit dans une maison isolée à la campagne. La femme essaye de reconstruire la maison qui avait brûlé par le passé tandis que l'homme, un écrivain célèbre, tente de retrouver l'inspiration. Alors que chacun s'affaire à sa tâche, des individus s'invitent chez eux...
Commentaire :
Une réalisation au plus près de Jennifer Lawrence
Darren Aronofsky est un réalisateur duquel on attend beaucoup. Sa mise en scène se structure autour de Jennifer Lawrence, qui est le centre de toutes les attentions. Du cadre américain au cadre rapproché, elle est l'objet de plans assez longs, ce qui indique par ailleurs qu'elle également la muse de Darren Aronofsky [les deux artistes se sont d'ailleurs mis ensemble depuis le tournage], à l'image de son personnage pour Javier Bardem dans le film. En cela, la réalisation tranche avec le cinéma hollywoodien mais ces plans privilégiant le réalisme à la perfection de l'image ne sont pas si novateurs pour qui justement s'essaye à autre chose qu'à Hollywood. Le réalisateur de Noa, reprend par ailleurs quelques artifices du cinéma d'horreur avec cette caméra toujours collée à l'héroïne et qui laisse ainsi le reste de l'espace dans l'incertitude. Cela fonctionne plutôt bien puisque le film réussit parfaitement la mise en tension. Darren Aronofsky s'appuie également sur un mixage sonore calibré au point pour attiser un malaise sensoriel. En revanche, la bande musicale se fait presque oublier. La dernière chose à noter est la manière dont le réalisateur film les processus / les évolutions. Cela est présent dans tous ses films et l'ont retrouve certaines scènes concernant la maison qui évoque l'évolution des corps [au sens large - la matière plus généralement].
Un casting prestigieux et talentueux
Le nom de Darren Aronofsky suffit normalement à attirer le cinéphile mais ici, un casting cinq étoiles est en plus présent. Jennifer Lawrence porte le film et il ne pouvait en être autrement puisque son personnage est l'objet même de l'oeuvre. Parfois à la limite du sur-jeu, sûrement sur les conseils du réalisateur, elle livre une nouvelle fois une performance plus qu'honorable. Elle est épaulée par des acteurs également excellents : Javier Bardem, Ed Harris et Michelle Pfeiffer dont la performance est notable.
Les thématiques : trop peu de clarté [spoilers]
Malgré une mise en scène plutôt appliquée et un casting prestigieux et performant, le film péche dans son intention. Tout grand film a des thématiques fortes et défendus. Mother est un film construit à partir des thématiques et en ce sens, le fond est beaucoup plus important que la forme, qui n'a aucun intérêt sans le fond. Il s'agit d'une caractéristique typique du chef d'oeuvre, si ce n'est que le fond n'est pas compréhensible ici... Il est certes possible de comprendre rapidement que tout ce qui est à l'écran n'est en réalité qu'un niveau de lecture à dépasser mais il est difficile d'aller plus loin. C'est là tout le problème de ce film, le spectateur doit l'interpréter. Autrement dit, le réalisateur, en ne donnant aucune piste, ne peut défendre ses idées. Il n'est pas interdit d'avoir une ambition élitiste ou ésotérique mais un film doit pouvoir guider ses spectateurs. Si le réalisateur est le seul à pouvoir comprendre son oeuvre, quel est l'intérêt ? Un film doit être compréhensible sans les commentaires du réalisateur ni même d'ailleurs la connaissance de sa filmographie. Un film doit être une oeuvre compréhensible en et par elle-même.
Après avoir dit cela, nous pouvons tenter plusieurs interprétations qui semblent s'entrecroiser dans le film mais il est difficile de leur donner de la valeur puisqu'on ignore s'il s'agit vraiment de la vision de Darren Aronofsky.
Il est possible de voir trois niveaux de lecture entre-mêlés.
Le premier, très direct et même trop évident pour que cela soit l'intention du réalisateur, serait une réflexion sur le couple. L'homme aime sa femme mais désire plus, il souhaite l'adulation, ce que lui permet d'obtenir ses œuvres. Comme le dit Jennifer Lawrence, l'homme aime le fait d'être aimé et non la personne qui délivre cet amour. Par ailleurs, l'homme représente le patriarcat en prenant toutes les décisions. Finalement, cela le conduit à délaisser le simple bonheur qui lui procure sa femme et à être aveuglé par l'amour fanatique de ses fans.
Un second niveau de lecture, sans connaissance de la filmographie du réalisateur mais en poussant la réflexion, pourrait consister à voir : la maison comme un cadre créatif, l'écrivain (Javier Bardem) comme l'artiste et Jennifer Lawrence comme l'allégorie de l'inspiration (certains personnages l'appellent ainsi). Il s'agit donc d'une réflexion sur la création artistique. Le problème de l'écrivain dans ce cadre idéal est qu'il manque de rugosité et d'altérité pour écrire malgré la présence de sa muse. Il laisse donc entrer d'autres personnes dans la maison (d'autres idées dans l'esprit) ce qui lui permet à nouveau d'écrire. Toutefois, à force d'être perméable à l'extérieur, il finit par être submergé d'idées et délaisser le sujet même de son oeuvre, sa muse, écrasée par la multitude. L'enfant du couple, laisser aux "Autres" peut être également l'allégorie d'une idée qui partagée, finit par être maltraitée, déformée et détruite.
Une dernière hypothèse peut être trouvée, si l'on connait l'intérêt d'Aronofsky pour les questions métaphysiques et la création originale (divine) qui parcourent sa filmographie. Dans ce cas, Javier Bardem serait Dieu, Jennifer Lawrence serait "Mother" ou mère-nature (certains personnages font référence à elle comme étant "la vie"), et les autres personnages seraient les humains. Les deux premiers humains (Harris et Pfeiffer) sont chassés du paradis après avoir cédé à la curiosité et casser le cristal. Cela ne serait pas insensé puisque le personnage de Jennifer Lawrence dit vouloir créer un paradis et par ailleurs, Javier Bardem chasse les deux premiers Hommes de sa salle de travail en condamnant la porte. Les autres éléments allant dans le sens de cette interprétation est le fait que les fils des deux premiers Hommes s'entre-tuent comme Caïen et Abel. Toutefois, cette interprétation aurait été plus aisée si au moins, Aronofsky avait choisi de nommer explicitement un de ses personnages par un nom biblique ou qu'un élément comme la pomme, le serpent, etc, puisse réellement confirmer cette thèse. Quoiqu'il en soit, dans cette perspective, on voit les Hommes maltraiter mère-nature malgré ses injonctions et Dieu pardonner sans arrêt ses créatures jusqu'à oublier mère-nature qui est normalement, sa première création. Cela est complexe car il s'agirait d'une relecture de la création originale par Aronofsky, comme si tout cela n'était pas déjà assez flou. On retrouve donc un Dieu aimant l'adulation des Hommes quitte à oublier la nature, à l'image de la situation contemporaine. Si on est croyant, cette vision est plutôt logique puisque c'est ce à quoi la situation actuelle laisse penser. En revanche, pour un athée, le traitement de la nature par l'utilisation d'allégories bibliques n'est pas évident et peu pertinent. Le dénouement de tout cela est la vengeance de la nature, poussée à bout, qui détruit toute création. On ne peut être totalement en désaccord avec cette vision pessimiste de l'Homme dans sa relation avec la nature... si c'est bien cela que voulait nous dire Aronofsky. Que cela est alambiqué!
Est-ce que toutes ces interprétations sont correctes, peut-être, mais la barque est trop chargée pour arriver à bon port.
En définitive, Darren Aronofsky nous livre une oeuvre trop ambitieuse qui risque d'en laisser beaucoup sur la touche! Inutilement complexe. Heureusement, Jennifer Lawrence brille une nouvelle fois.
15 ans après le début de l'épidémie de la grippe simienne, les derniers humains cherchent à éliminer les singes. César, toujours à la tête de ces derniers, essaye d'assurer leur survie...
Commentaire [Spoilers] :
Réalisation efficace
La trilogie de La Planète des Singes aura été choyée. Matt Reeves réitère une bonne performance pour le dernier épisode. La mise en scène est fonctionnelle, au service de la narration, agrémentée de temps à autre de jolis plans de semi-ensemble (avec le paysage en arrière plan) ou plus rapprochés. Sans révolutionner la réalisation, Matt Reeves réussit parfaitement à raconter et dérouler l'intrigue. La tâche n'est pas si aisée puisque les singes ne parlent oralement que peu entre eux, sinon par la langue des signes. Pourtant l'histoire est limpide, avec, il est vrai, l'aide d'un dialogue important entre César et le Colonel. Les singes, parce-qu'ils représentent le meilleur de l'humain, bénéficient régulièrement de gros plans montrant toute la profondeur et complexité de leur être. Cela fonctionne d'autant plus qu'il faut saluer encore une fois l'incroyable qualité des effets visuels de la Weta qui apporte toute sa crédibilité aux personnages (singes) ainsi que les acteurs de la motion - performance capture. Le seul petit reproche sur la mise en scène ou l'histoire est parfois la surprenante façon qu'ont les singes de ne pas se faire remarquer par les humains, et cela pendant plusieurs scènes au cours du film. La manière dont les singes prisonniers récupèrent la clef est également un peu facile... Voilà les seuls bémols car le film fonctionne. Il fonctionne également du fait de l'excellente bande musicale et de son orchestre symphonique. Il n'est pas étonnant de retrouver Michael Giacchino, sûrement un des meilleurs compositeurs à Hollywood, dans la lignée de John Williams. La Planète des Singes Suprématie est un film d'action et d'émotion, et la puissance de la bande musicale n'est pas étrangère à cela.
Un film riche en symboles et messages
Le film est fort car il peut dénoncer deux situations à la fois. On peut prendre le film au premier dégrée et y voir une dénonciation du traitement des animaux, singes en particulier mais également animaux de zoo, par les Hommes. Toutefois, on peut également voir dans les singes une allégorie de l'Autre en général. La manière dont les singes sont traités rappelle sous certains aspects la manière dont les esclaves étaient traités, avec parfois des contremaîtres noirs pendant la traite négrière. Les singes représenteraient ainsi une partie de l'humanité maltraitée par une autre partie en situation de domination, ce que le travail forcé des singes suggère. Cette vision serait cohérente avec le fait que les représentants de ce qu'il y a de meilleur chez l'humain (pardon, respect, valeur, sensibilité, sagesse, finesse d'esprit) sont bien les singes dans le film. Les humains sont au contraire tous méchants à l'exception d'une petite fille touchée par la mutation du virus. Toutefois, cette petite fille a plus pour rôle de montrer que les singes peuvent être bons envers les humains que de témoigner d'une part de bonté dans l'humanité. L'humanité, en tant qu'espèce, est représentée par le personnage du colonel qui est d'une rationalité froide (il ne pense qu'en termes militaires). Bien qu'effrayant, le personnage est travaillé et son background (en plus de la performance de Woody Harrelson) donne une réelle crédibilité à son action. Toutefois, le message du film est clair, l'humanité ne mérite pas dominer le monde. C'est d'ailleurs l'affrontement entre humains et non l'affrontement entre singes et humains qui met un terme à l'humanité. L'humanité est responsable du virus mais également de sa disparition définitive. César lui, n'est pas un chef de guerre mais le guide d'un peuple : il est Moïse, guide du peuple juif face aux Égyptiens comme décrit dans la Bible. La mise en relation de ces figures est plus qu'une simple supposition : les Égyptiens finissent par être emportés par la mer comme ici les Hommes par l’avalanche (l'élément naturel eau à chaque fois, comme châtiment). Et puis surtout, Moïse embrasse la terre promise de ses yeux mais n'y met jamais le pied : la mort de César n'a pas de sens si un lien n'est pas fait avec Moïse. Le paysage final et les couleurs laissent d'ailleurs suggérer qu'il s'agit bien de la terre promise.
En définitive, La Planète des Singes Suprématie conclue avec brio la trilogie inspirée de l'oeuvre de Pierre Boulle. L'histoire est prenante, la mise en scène est efficace et la morale est pertinente.
Valérian et Laureline sont des agents spatiaux du XXVIIIème siècle, au service de la fédération. L'histoire de la tragique disparition du peuple des Pearls 30 ans auparavant refait jour lors d'une mission des deux coéquipiers...
Commentaire :
Une direction artistique très travaillée
Luc Besson est un metteur en scène talentueux qui ne déçoit jamais au niveau de sa direction artistique. La bande dessinée avait un style graphique abouti, il en va de même pour le film. C'est avant tout le jeu sur les couleurs qui impressionne, autant au niveau des paysages que pour l'ensemble du bestiaire présent à l'écran. Les races extraterrestres sont foisonnantes et inventives alors que certains paysages, certes jolis (déserts, océans), rappellent l'univers d'autres films : il est vrai que Valérian arrive après beaucoup de films de SF et de Space opéra, bien que la BD les ait souvent elle-même inspirés. Quoiqu'il en soit, l'écran est toujours plein et très animé, ce qui renforce le caractère vivant de cet univers foisonnant. Les cadres sont également très bien choisis, ce qui témoigne d'une photographie réfléchie. Cara Delevingne est particulièrement mise en valeur par la mise en scène (en plus de ses costumes) : elle est toujours filmée avec attention (gros plans de profil ou de trois-quart) et ce n'est pas étonnant lorsqu'on sait que le personnage de Laureline est le premier amour de Luc Besson. Le montage est lui plutôt classique : c'est donc bien la beauté dans le cadre qui donne une réelle plus-value à cette super-production française (presque 200 millions d'euros) par rapport aux blockbusters américains. Le seul regret de mise en scène est parfois un montage trop rapide et une caméra bougeant trop rapidement lors des scènes d'action. Les plans sont parfois un peu courts, d'autant plus qu'il y a toujours quelque chose à voir dans dans le cadre. L'atmosphère du film est soutenue par la bande musicale d'Alexandre Desplat, fine et mesurée avec un orchestre symphonique. Toutefois, il n'y a pas de thème particulièrement marquant .
Une intrigue qui peine à accrocher
L'histoire des deux héros manque un peu de peps. Peut-être que les acteurs sont un peu trop jeunes pour être crédibles dans leur rôle, malgré une bonne performance. Les seconds rôles comme ceux de Rihanna ou d'Alain Chabat sont également bien interprétés mais trop peu exploités. Les personnages manquent de profondeur pour qu'on puissent réellement s'y attacher, à l'exception de la très bonne travaille des trois extraterrestres "canards" et des Pearls qui bénéficient d'un long temps d'écran. Toutefois, même l'univers n'est pas assez exploité et ne se dévoile pas de lui même, si bien que des scènes d'exposition sont parfois obligées de faire le travail (l'ordinateur Alex décrit la station Alpha lors de l'arrivée de Valérian et Laureline comme s'il lisait la description détaillée du scénario). L'univers demande à être vécu et non simplement vu ou décrit. Laureline est le personnage le plus intéressant, pilier de l'histoire, mais les autres manquent un peu de complexité et d'originalité, le méchant en particulier mais également le peuple Pearl (semblable aux Na'vis d'Avatar). Le méchant est d'ailleurs repérable trop rapidement. Il n'y a que peu de retournement de situation. Le scénario est alors trop mécanique, peu original et manque d'épaisseur sur certains aspects pour amener plus d'émotion. Il est donc difficile de s'investir pleinement tout au long de l'histoire (la deuxième partie notamment). Cela confirme que Luc Besson est plus doué au niveau des visuels que de l'écriture, voire que de la réflexion philosophique...
Les messages du film : justes mais assez convenus [Spoilers]
En effet, le film est plus un space opera qu'un film de science-fiction au niveau de ses questionnements, bien qu'étrangement, Luc Besson essaye dans la scène pré-titre de l'annoncer comme un film de SF. C'est en vérité un film assez proche du genre merveilleux car les technologies présentes ne témoignent pas d'une volonté de crédibilité mais bien d'un libre court à l'imagination. Il n'y a donc pas dans Valérian les grandes interrogations de société relatives aux films de science-fiction, ni les grandes questions métaphysiques qui hantent l'humanité (présentes par exemple dans Lucy, le dernier Besson). La faute sûrement à l'enjeu du film : il s'agit de la simple enquête de deux agents spatiaux. Un méchant trop manichéen empêche également de poser la réflexion plus loin : il représente une humanité destructrice et arrogante qui refuse de porter de l'importance aux autres créatures. En face, les Pearls sont des êtres parfaits, c'est la seule chose qui les caractérise. Mais il n'y pas de réflexion sur la perfection : ils sont à notre sens trop parfaits puisqu'ils assimilent l'ensemble des connaissances disponibles en seulement trente ans alors qu'ils ignoraient tout de l'univers avant : par exemple, ils ignoraient les mathématiques et la philosophie... Et comment des êtres peuvent-ils être parfaits et justes sans connaître la philosophie ? Bref, les groupes antagonistes sont schématiques et manquent de chair pour que leur confrontation pousse à la réflexion. Il s'agit d'une philosophie très primaire. Le seul questionnement intéressant mais non abouti naît de l'opposition entre Laureline qui représente la sensibilité et l'amour, et Valérian qui représente le respect de la loi. Etant tous les deux gentils, leur opposition a un intérêt pour le spectateur mais là encore, cela ne va pas assez loin. La conclusion est que le cœur doit avoir raison des règles. Pourquoi pas, mais il aurait plutôt été intéressant de montrer que les règles devraient être soumises à l'esprit critique, c'est à dire à la Raison, plutôt que de dire qu'elles doivent simplement s'effacer face à la sensibilité. Les règles peuvent être utiles et, de la sensibilité, ne sort pas nécessairement le bien et le juste.
En définitive, Luc Besson réalise une sublime oeuvre visuelle mais banale au niveau de l'intrigue et simpliste au niveau des réflexions.
Mai 1940, les alliés sont acculés par l'Allemagne à Dunkerque. Les Britanniques optent pour la retraite afin de pouvoir mener la bataille d'Angleterre. Les Français résistent tant bien que mal pour permettre l'évacuation...
Commentaire :
Une réalisation âpre
Nolan est le maître du réalisme et cela se voit d'abord dans son image rugueuse. L'image est terne, non sublimée et sert à montrer l’âpreté d'un théâtre de guerre. Toutefois, le film ne prend jamais le chemin trop facile du gore pour marquer les esprits. Ici, ce sont les continuelles péripéties qui s'enchaînent et ne finissent jamais qui soulignent combien la guerre est difficile pour le mental des protagonistes. Certaines images, notamment aériennes, n'en sont pas moins très belles et rappellent que Nolan sait également trouver les cadres, tout cela en limitant au plus l'ajout numérique. Concernant la réalisation et notamment le montage, Christopher Nolan ne prend pas le chemin de la simplicité. Sa mise en scène est fonctionnelle, peu symbolique, ce qui n'est pas étonnant venant d'un cartésien comme lui. En revanche, la narration à l'échelle du film est alambiquée. En effet, ce ne sont pas les mêmes échelles de temps qui sont mis à l'oeuvre, sur la jetée (une semaine), sur mer (un jour) et dans le ciel (une heure). Ce qui fait que le montage alterné (des actions qui se passent en même temps) qui suit plusieurs groupes de personnages n'est en réalité pas un montage alterné mais un montage parallèle (les actions sont mis en relations mais ne sont pas concomitantes dans le temps). Cette petite extravagance tranche avec le blockbuster classique mais provoque une confusion déconcertante. Une mise en scène travaillée est appréciable mais cela ne doit pas se faire au détriment de la clarté de la narration. Peut-être que cela sert à souligner le chaos de la guerre du point de vue des protagonistes, mais cela reste une hypothèse. Au delà de la narration, le reste de la technique est, comme toujours chez Nolan, proche de la perfection. Le mixage sonore est très réussi et force à l'immersion sur le champ de bataille. Tout cela est soutenu par la bande musicale de son partenaire habituel Hans Zimmer. Ce dernier travaille particulièrement l'ambiance avec une musique fondée sur des bruits de montre et des bruits d'avion répétés de manière mécanique qui donnent une atmosphère pesante. La question du temps s'entend et se ressent avec Hans Zimmer. L'image de Nolan s'appuie à ce titre beaucoup sur la bande son de son compositeur. A noter qu'il n'y a pas de grands thèmes d'orchestre symphonique. La musique est en effet, également sobre, âpre et volontairement peu engageante.
Un point de vue britannique de l'Histoire
Le point de vue de l'Histoire de l'évacuation de Dunkerque est incontestablement britannique. Tout d'abord, parce-que les adversaires sont pratiquement invisibles. Il n'y a aucun plan sur un visage allemand, à la rigueur quelques rares formes floues de casques en fin de film. Lorsque les adversaires sont les plus visibles, ce sont leurs machines qui le sont (les différents avions), cela contribuant à la dépersonnalisation des Allemands. Peut-être là encore une intention : la guerre n'est-elle pas un processus de déshumanisation de l'autre ? Une hypothèse que l'on ne peut confirmer. Le sort réservé aux alliés est tout aussi étonnant. Les Belges passent à la trappe et les Français sont dépeints de façon peu valorisante, alors qu'ils ont en réalité permis le retrait britannique en résistant vaillant aux Allemands en surnombre. Pire, une des dernières phrases d'un haut gradé anglais "Je reste pour les Français" laisse supposer que les Anglais sont les seuls artisans de cette opération. Choisir un point de vue n'est en soi pas nécessairement mauvais, mais cela contribue à construire des représentations oubliant une partie de la réalité.
Un film sans message ?
Les films de Christopher Nolan sont en général meilleurs lorsque ce dernier est associé à son frère Jonathan pour le scénario. Ici, Christopher est tout seul. Le scénario, qui est le cœur des films de Nolan, est paradoxalement absent, presque dans une volonté de réduire cette histoire à une description de la guerre. L'histoire s'en retrouve moins prenante et reste au niveau du survival. Cela se ressent également dans l'attachement aux personnages sans profondeur et pourtant interprétés pour certains par des acteurs fétiches de Nolan (Tom Hardy, Cillian Murphy). Cela peut correspondre à la volonté du réalisateur mais nous regrettons que l'histoire ne tienne finalement que du fait du suspens et non de l'intrigue.
Si le film n'a qu'un maigre scénario, celui-ci a t-il un message ? Les Batman ou encore Interstellar avaient un message - ou plus humblement une réflexion - sur la société et le monde. Dunkerque à l'image de son scénario, n'en a pas vraiment. Seul le groupe de marins civils délivre quelques pensées : la persévérance dans l'accomplissement de la mission, la vérité parfois non nécessaire (ne pas dire au soldat que le jeune de 17 ans est mort). Cela est tout de même un peu décevant pour un film de Nolan. Toutefois, si son intention n'allait pas au-delà de la description du chaos et de l'imprévisibilité de la guerre, sa mission est accomplie.
En définitive, Nolan réalise un film âpre sur la guerre à partir de points de vue singuliers de soldats britanniques. Le film est techniquement réussi mais un scénario plus charnu et une réflexion sur le propos étaient également attendus pour un réalisateur de cet acabit.
Mélanie est une petite fille d'un étrange établissement militaire, qui la garde sous haute surveillance, tout comme ses petits camarades. Mélanie ignore ce qui se passe. La seule personne qui éprouve de la compassion pour elle dans cet univers est la maîtresse de classe...
Commentaire :
Une mise en scène classique
The Last Girl est un film classique dans la forme. La mise en scène est fonctionnelle et très lisible mais ne témoigne d'aucune spécificité particulière. Le montage et le cadrage sont ainsi simplement narratifs sans scène ou séquence particulièrement marquante.
Sennia Nenua, pour porter le film
Le jeu d'acteur est en général assez bon mais la petite héroïne interprétée par Sennia Nennua éclipse absolument tout le monde. Gemma Arterton, tête d'affiche la plus connue est excellente et remplit sa part du contrat mais c'est sans conteste Sennia Nennua qui porte le film. Les enfants sont étrangement les plus performants dans ce long-métrage, il est vrai que le reste du casting adulte doit interpréter des soldats, par définition peu intéressants car très monolithes.
Le message ambiguë du film [Spoilers]
Les films de zombies sont à part dans les films d'horreur. Depuis Romero, il est acquis que ces films peuvent être porteurs de critiques sociales. Celui-ci n'échappe pas à la règle. La réflexion est présente et dépasse le simple scénario qui s'apparente à un survival horror. La question est de savoir ici si les enfants de zombies qui ont une conscience et une capacité de réflexion ont le droit à la vie, contrairement aux zombies classiques. Tout le film tend à suggérer que c'est le cas ; la petite héroïne qui reçoit toute la sympathie des spectateurs est un zombie conscient. Elle est par ailleurs le personnage le plus intelligent du film. Lorsque l'intrigue expose ouvertement que la vie d'un zombie conscient vaut autant qu'une vie humaine, l'intrigue atteint son but, son apothéose du point de vue du sens. Le problème est que ce constat exposé par l'héroïne est contredit par sa dernière action. Peut-être faut-il mettre cela sur le compte qu'il s'agit d'un enfant (pourtant elle semble la plus fine d'esprit). En effet, sa dernière action a pour conséquence l'annihilation de tous les humains non infectés. Dans cette perspective, la vie des zombies conscients n’apparaît pas égale mais plus importante que la vie des humains. Peut-être que ces derniers méritent par leurs actions de disparaître mais on ne peut affirmer que tout Homme soit coupable. L'égalité du droit à la vie peut nécessité de mettre en avant dans les luttes les opprimés par rapport aux dominants mais cela ne peut déboucher sur l'éradication de l'autre partie. Le message aurait dû s'arrêter à : tout être conscient a un égal droit à la vie. La conclusion finale du film est donc surprenante et affaiblit la pertinence du propos.
En définitive, The Last Girl est un film de zombie intéressant à la conclusion étonnante, du moins au niveau du sens du message.
Le monde est infecté par une maladie dévastatrice qui touche Hommes et animaux. Une famille survit tant bien que mal dans les bois jusqu'à ce que la mystérieuse maladie s'invite chez eux...
Commentaire : Une mise en scène oppressante à souhait
Trey Edward Shults se signale ici avant tout par sa mise en scène. Le ton est donné dès la première scène, réussissant à provoquer l'inconfort alors que l'écran est toujours noir. Le procédé du film le plus efficace est peut-être la caméra flottante en traveling qui n'est pas toujours une vue subjective et qui se déplace d'elle-même dans l'espace. En effet, dans cette perspective, le spectateur est directement l'acteur de la scène et est près à être surpris. Le réalisateur réussit également à accentuer la tension avec des scènes relatives aux cauchemars du fils (adolescent) de la famille, cela pouvant permettre de jouer avec des mécanismes du surnaturel tout en restant dans le monde physique connu. Un autre procédé consiste à changer le format, en diminuant la hauteur du film pendant les périodes de tension, ce qui a l'avantage en effet de concentrer l'attention sur le champ visible. Ainsi, la mise en scène est le premier atout de ce film, peut-être à l'image de beaucoup de films d'horreur mais celui-ci reste dans la forme de très bonne facture.
L'intention : une description de l'Homme dans ses retranchements
It comes at night fait parti de ces films sans message ayant une approche fonctionnaliste, c'est à dire voulant décrire le comportement de personnages dans une situation particulière. C'est finalement une expérience de pensée du réalisateur. L'intérêt de cette approche est justement de ne pas porter de jugement mais en même temps, cela limite la portée d'une approche critique. L'idée du film ici semble de décrire la réaction d'une famille dans un contexte apocalyptique, notamment du point de vue de l'adolescent. Il s'agit de montrer la rationalité de l'humain, salvatrice mais également très brutale, nécessaire à la survie. Le film réussit plutôt son pari si cela était le sien, bien que le propos ne soit pas révolutionnaire. Par ailleurs, le film ne va pas plus loin que cet objectif, puisqu'il n'y a pas de message, ni de scénario (au sens de background) particulièrement développé d'ailleurs. Tout repose sur la psychologie des personnages.
En définitive, It comes at night est un film sans concession sur l'humain placé en situation de survie. Le principal intérêt de ce long-métrage reste néanmoins sa mise en scène aboutie.
10 ans après la mission du Prometheus, la mission du Covenant est en direction d'une planète habitable pour établir une colonie. Toutefois, l'équipage reçoit un signal venant d'une autre planète. Ce dernier semble être d'origine humaine. Le Covenant change sa trajectoire pour identifier l'origine du signal...
Commentaire :
Mise en scène efficace mais déjà vu
Comme pour Prometheus, Ridley Scott démontre sa maîtrise de l'image dans un univers futuriste. Sa réalisation est narrative, très peu symbolique malgré l'ambiance métaphysique. Toutefois, associée à un univers convaincant et à suspens, force est de constater que la mise en scène remplit parfaitement sa mission d'immersion. Il faut bien reconnaître à Ridley Scott la maîtrise technique de son art. Certes, il n'y a pas d'innovation en ce domaine mais comme très peu de films à gros budget. Ici, la narration visuelle est efficace. Le design des vaisseaux humains et des technologies est toujours aussi abouti, ce qui participe grandement à l'immersion. Par ailleurs, lorsque cet univers est associé aux musiques d'Alien et de Prometheus pendant quelques scènes, il retrouve toute sa majesté. A noter que cet épisode n'a malheureusement pas de thème nouveau identifiable. En définitive, Alien : Convenant procure une aventure dans laquelle il est facile d'y plonger.
Un scénario qui tient le coup... à l'échelle du film [Spoilers]
Le scénario procure des motifs valables à tous les protagonistes, ce qui fait que les enjeux de ces derniers sont clairs, chose importante pour l'immersion. Néanmoins, le spectateur averti pourra s'énerver des erreurs que font les personnages. En effet, ces dernières semblent risibles lorsque l'on connait cet univers mais restent probables, il est vrai, lorsqu'on admet que les personnages n'ont jamais connu de telles situations. Il s'en suit qu'un véritable suspens se crée car le spectateur a toujours un temps d'avance sur les personnages et devinent ce qui va leur arriver. L'agacement du spectateur amateur de la saga est toutefois légitime car il connaît les ressorts de l'intrigue qui sont les mêmes que dans les films précédents. L'originalité n'est que peu recherchée. Certes, l'immersion fonctionne car l'histoire est prenante à l'échelle des personnages (Katherine Waterston est excellente) mais toutes les étapes du scénario sont visibles bien avant qu'elles n'adviennent. Au-delà d'un scénario qui marche mais qui fait le minimum sur ce film, il s'intègre difficilement dans la saga. Les technologies et les androïdes paraissent trop élaborés pour correspondre aux premiers films Alien qui se passent bien plus tard. D'autre part, Alien: Covenant est peu respectueux du film Promotheus, en se débarrassant de l'histoire d'Elisabeth Shaw et par là même, en annihilant tous les questionnements que soulevaient Promotheus (pourquoi les Ingénieurs ont crée les humains, pourquoi voulaient-ils détruire leur création ? Quelle était leur origine à eux ?). Cet épisode est une suite sans l'être, en étant presque un reboot puisque l'équipe est nouvelle. On comprend que ce choix est une facilité puisque cela est plus facile du point de l'intrigue d'amener des personnages vierges dans l'histoire. En revanche, cet épisode n'a que peu d'intérêt d'un point de vue sériel, hormis pour répondre à une question qui n'était pas vraiment posée et qui était beaucoup moins intéressante que les questions métaphysiques, à savoir l'origine de l'alien. Par ailleurs, si l'on comprend bien qui est son créateur, on ne comprend pas bien le procédé et les différents étapes de son hybridation.
Les thématiques, en marche vers la croyance [Spoilers]
La grande science-fiction interroge le monde. C'est ce que semblait vouloir faire Prometheus tout en laissant malheureusement ses réponses pour la suite. Les questions sont à nouveau soulevées en début de film mais une nouvelle fois éludées. Il reste alors le côté thriller car le côté philosophique disparaît. La vérité est sûrement que Ridley Scott est incapable de répondre avec intelligence aux questions qu'ils posent. Il semble juste s'émerveiller devant sa création (cet univers), à l'image de David devant son alien (scène de naissance de l'alien). Les tentatives de réponse sont peu satisfaisantes, notamment du côté métaphysique. Le film regorge de symboles religieux (tableau de la nativité, clou-collier), de personnages croyants ainsi que de références douteuses (intelligent design notamment dans la première scène). Les seuls personnages rationnels sont Walter et l'ordinateur central; les autres semblent suivre leur instinct ou leur foi et sont à l'origine des problèmes. Le nouveau commandant Oram s'essaye à l'esprit critique dans la décision qui va le mener à explorer la mystérieuse planète ("en prenant en compte toutes les données disponibles") mais cela est également un échec. Bref, on ne voit pas bien le message derrière le scénario. La seule piste de réflexion intéressante dans ce film semble être la relation amoureuse qui se développe entre Walter (l'androïde) et Daniels (humaine) mais cela n'est jamais développé. Quant à la thématique du viol, il n'est pas vraiment intéressant d'y revenir puisque c'est le même traitement depuis le premier film. Ainsi, Alien : Convenant est peu intéressant pour son fond.
En définitive, avec Alien : Convenant, Ridley Scott montre qu'il reste un très bon technicien mais en même temps, que sa flamme d'auteur est éteinte : il est incapable de donner un nouvel élan à son oeuvre. L'immersion prend et l'aventure se vit mais le fond de l'histoire est peu convaincant.
